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domingo, 28 de enero de 2024

Monet. Obras maestras del Musée Marmottan

La pintura impresionista siempre me ha fascinado y Claude Monet (París, 14 de noviembre de 1840 - Giverny, 5 de diciembre de 1926) es su representante más destacado, y el pintor de este movimiento, cuyas obras me gustan más. Sus cuadros de flores, -nenúfares, glicinias, iris, amapolas, hemerocallis, peonias-, me tienen el corazón robado.

Mi pasión por Monet y sus obras viene de lejos, desde que en 1992 se organizó en el Palau de la Virreina de Barcelona, la exposición "Monet a Giverny", con obras realizadas de 1903 a 1926. Para mi fue extraordinaria.

En cuanto tuvimos los billetes para el viaje en tren desde Barcelona, hice rápidamente la compra de las entradas para ver la exposición de Obras maestras del Musée Marmottan Monet de París. Me hacía mucha ilusión.

La exposición cuenta con más de 50 obras realizadas entre 1870 y los primeros años del Siglo XX. Monet pintó sus nenúfares en Gibernay hasta los últimos días de su vida. Me encantaría visitar Gibernay, "quizás algún día!" Me gusta pensar.

La exposición en el recinto CentroCentro ubicado en la Plaza de Cibeles de Madrid, se podrá visitar hasta el próximo 25 de febrero,


Retrato de Monet pintado por Pierre-Auguste Renoir en la década de 1870. Ambos pintores eran amigos y viajaron juntos en varias ocasiones, Monet conservó esta pintura en su colección personal.
 
 
El tren en la nieve. La locomotora (1875), paisaje nevado de la estación de tren de Argenteuil, que se encuentra en las afueras de París, a Monet le gustaban especialmente lo trenes y sus estaciones.
 

Detalle de la obra Paseando cerca de Argentuil, 1875. En un campo de flores vemos a la mujer de Monet,  Camille,  y detrás la figura de un hombre que casi se funde en el paisaje.

 
Claude Monet estuvo durante el verano de 1870 en la playa de Trouville, en Normandía. Allí pintó en esta obra a su esposa Camille, en compañía de una familiar, donde logra una fusión entre el ambiente y el tema.

 
Casas rojas bajo la nieve en BjÖnrnegssrad, Noruega, donde Monet y su segunda compañera Alice, vivieron durante unos meses en 1895.
 

Nenúfares (1916-1919), Monet trabajaba con varios cuadros a la vez, desde las primeras horas del día hasta que anochecía.

Monet pintó varias series de vistas del Parlamento de Londres. Aquí tenemos un detalle de El Parlamento. Reflejos sobre el Támesis, fechado en 1905. Sus estudios del agua y los reflejos del sol fueron una constante en el tiempo que permaneció en la ciudad.
 

"Lo que necesito son flores, siempre".
 Claude Monet


En la década de 1920 Monet dedicó series de pinturas a El paseo de las rosas en su jardín de Gibernay. El elemento distintivo es el arco situado en el centro de la composición cubierto de flores trepadoras. Estas series nunca se expusieron en vida de Monet, son obras testimoniales cercanas a la abstracción
 

El puente japonés de madera, se contruyó poco después de que se creará el jardín acuático de Gibernay en 1893, conviertiéndose en el protagonista de muchas de sus obras.
También mandó construir una pérgola sobre el puente para cultivar glicinias.
 

 La pintura de las glicinias, era uno de los temas favoritos de Monet. El origen es esta planta ornamental se encuentra en el extremo oriente. Monet pintó las glicinias entre los años 1919 y 1920.
 

 Nenúfares pintados por Monet en una serie de paneles monumentales, realizados entre 1914 y 1926 y que donó al Estado Francés para celebrar el final de la Primera Guerra mundial.
 
"He pintado infinidad de nenúfares, cambiando siempre de punto de vista, modificándolos según las estaciones y adaptándolos a los distintos efectos de la luz que crea su cambio. Y el efecto cambia sin cesar, no sólo de una estación a otra, sino también de un momento a otro. El elemento básico es el espejo del agua, cuyo aspecto cambia a cada instante al reflejarse en él los destellos del cielo, que le dan vida y movimiento. Para lograr algo de este cambio continuo, hay que tener cinco o seis cuadros en los que trabajar al mismo tiempo y hay que pasar de uno a otro, volviendo rápidamente al primero en cuanto reaparece el efecto interrumpido".
 
Claude Monet, febrero 1918, Revista La Revue de l'Art Ancien et Moderne.
 

Texto y Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Madrid
14 Enero 2024


lunes, 22 de enero de 2024

MAESTRAS, con mayúsculas, en el Thyssen-Bornemisza

MAESTRAS, con mayúsculas, es el título de la exposición que en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, se está celebrando desde el pasado 31 de octubre del 2023 y que finalizará el próximo 4 de febrero.
 
La responsable de esta exposición, que se encuadra dentro de los actos culturales programados con motivo de la Presidencia expañola en el Consejo de la UE, es Rocío de la Villa.

La exposición colectiva presenta un recorrido de cinco siglos, desde el XVI a los comienzos del XX, en el camino de emancipación de las mujeres, presentada desde una perspectiva feminista.  Más de un centenar de obras, entre pinturas, esculturas, obras sobre papel y textiles. Las creadoras han sido mujeres cuyas obras han pasado del borrado a la luz. Aunque algunas fueron celebres en su tiempo, hoy todas son reconocidas como maestras. Abordaron temas importantes en sus épocas, se posicionaron y aportaron su mirada nueva y alternativa.

La exposición está vertebrada en ocho secciones, donde las mujeres ya sea como artistas, galeristas o mecenas, tienen una finalidad: liberarse del patriarcado.

En concreto, dos de las secciones se centran en obras sobre Sororidad, mientras que en las restantes los temas son la Botánica, la Ilustración, el Orientalismo y el costumbrismo, los Trabajos y cuidados, las Nuevas maternidades y la Emancipación.
 
 
Al inicio de la muestra, en la primera de las secciones Sororidad I. La Causa de las mujeres, encontramos esta impresionante obra de Artemisa Gentileschi, Judit y su criada, (1618-1619), una representación del personaje histórico de Judit.

 
La segunda de las secciones, Botánicas, conocedoras de maravillas, tenemos entre muchas otras, esta obra de  Catharina Backer, Naturaleza muerta con flores (antes de 1711). Un exquisito bodegón con dos flores azules de gencianas de montaña y flores de malvarosa o malva real con insectos incluidos.
 Las ilustradoras botánicas, reinvidicaron su conocimiento de las plantas junto a exquisitos detalles de mariposas e insectos.
 
 
 
Mi interés particular hace que a partir de aquí, comparta fotografías de obras posteriores a las secciones de la Ilustración, Orientalismo y Costumbrismo, y os muestre directamente fotografías de obras de: Trabajos y cuidados, Nuevas maternidades, Sororidad II y Emancipación.
 
En esta obra de Marie Petiet, Las lavanderas, (1882), se muestra la complicidad de las mujeres, en este preciso momento, donde trabajan juntas y pertenece a la sección de Trabajos y cuidados.


Tambíen de la sección de Trabajos y cuidados, es esta obra de Lluïsa Vidal, Las amas de casa (1905)
 

En el sexto espacio, Nuevas maternidades, se abarca la temática femenina por autonomasia, la de la maternidad. Encontré preciosa esta aportación de Tamara de Lempicka, Maternidad, (1932),

 
Y también preciosa esta obra de  Suzanne Valadon, Marie Coca, sobrina del artista y su hija Gilberte, (1913), donde se invierten los viejos modelos de abnegación y mistificación de la maternidad, para dar paso a una realidad en ocasiones dura y díficil de los cuidados de nuestros hijos.
 

Una tercera obra de Nuevas maternidades que comparto es esta obra de Mary Cassatt, Desayuno en la cama, (1897).

 
La sexta sección Sororidad II, habla de la amistad entre mujeres, como la que queda reflejada en la obra de  Maruja Mallo, La mujer con la cabra, (1927).

 
Escultura en primer plano de Marie Cazin, Muchachas, (1886), al fondo pintura de María Blanchard, Las dos hermanas, (1921).
 

De la última parte de la exposición, Emancipadas, me han gustado especialmente esta obra de Ángeles Santos, Niña (Anita y las muñecas), (1929)

La de Frida Kahlo, Niña tehuacana. Lucha María, (1942).

Helene Funke, En el palco, (1904-1907).

Alice Bailly, Detalle de El té, (1913-1914).

 
Maruja Mallo, La Verbena, (1927).
 
Como cierre de la exposición dos Verbenas de la pintora española Maruja Mallo, donde muestran la felicidad de unas mujeres que conquistan más derechos y presencia en lugares públicos.
 

Vídeo de la exposición Maestras, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, puedes verlo clicando en el enlace

Vídeo de Diario Público de Maestras, Las mujeres se cuentan a si mismas, puedes verlo clicando en el enlace

 Video de Maestras, en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de J. Egido Rque puedes verlo clicando en el enlace

 

Texto y Fotografías:Pilar Vidal Clavería
Madrid
13 enero 2024

 

sábado, 6 de enero de 2024

Marc Chagall, el color de los sueños

En el número 11 del carrer Ample de Barcelona, muy cerca de la Basílica de la Mare de Déu de la Mercè,  se encuentra el Palau Martorell, un edificio neoclásico construido entre 1886 y 1900, donde destaca su estilo Novecentista, lejano y ajeno a las características del Modernismo.

Este edificio acoge desde hace un tiempo exposiciones de artistas destacados. En esta ocasión se trata de Marc Chagall, El color de los sueños,  que podrá verse hasta el próximo 24 de marzo, con un total de 181 obras.
 
Marc Chagall, 1887-1985, es un pintor de orígenes rusos y judíos, nació en la ciudad de Vitebsk, actualmente Bielorrusia, siendo el mayor de nueve hermanos. Con un estilo personal y fácilmente reconocible, destacan el color y el trazo peculiar de sus obras, siendo fácil para mi, sucumbir a sus cuadros de flores, tanto por su elaboración, como por su colorido.

Destacan también sus trabajos en la ilustración, la cerámica, los mosaicos y también de una forma muy intensa en el diseño de vidrieras.

Durante dos veranos estuvo en la localidad catalana de Tossa de Mar y su museo municipal cuenta con la obra El Violinista Celeste, que Chagall dejó como regalo.

En esta entrada vemos algunas de las obras presentes en la exposición, básicamente en el apartado de las flores, en la que también podemos leer en uno de los paneles informativos, esta frase que comparto:

Bella me dio la primera flor... Te podrías preguntar durante horas qué significan las flores, para mi, son la vida misma, en todo su feliz esplendor. No podríamos prescindir de las flores.
 
 
 Chagall en sus primeras obras combinó elementos del fauvismo, de la vanguardia cubista y del orfismo de Robert Delanuy. Aunque se formó artistícamente en San Petersburgo, en el año 1910 se trasladó a París, donde se instaló de forma permanente en 1923 y ciudad de la que siempre estuvo enamorado.
 

Le fascinó el mundo del circo y muchas de sus obras hacen referencia a este tema.
 

Pablo Picasso dijo de él: “Cuando Chagall pinta, no se sabe si está durmiendo o soñando. Debe tener un ángel en algún lugar de su cabeza”.
 

 En 1915 se casó con Bella Rosenfeld, que fue su musa y motivo de inspiración de muchas de sus obras, convivieron durante treinta y cinco años, hasta 1944 fecha en la que esta murió en la ciudad de Nova York.

  En 1945 contrajo matrimonio con Virgina Haggard y se separó en 1952. Ese mismo año se casó con Valentina Brodsky -Vavá- con la que convivió hasta su muerte y junto a la que está enterrado en Saint-Paul de Vence.
 

 La muestra recorre la actividad de Chagall a lo largo de 50 años y está estructurada en apartados diversos como son los ritos y tradiciones rusas y judías que vivió en su infancia, las obras en torno a la Biblia y el Éxodo y el mundo de las flores entre otros.
 
Pocas obras tienen colores pálidos como los de estas rosas. En general los colores son vivos y aportan vitalidad y esperanza.
 
Dejar que mi sombra se integre con la pintura, una manera lúdica de disfrutar de la visita.
 
El contraste de una de las obras coloridas y las litografías en blanco y negro, se refleja a través de una de las ventanas del palacio que acoge la exposición.
 

El asno azul junto a los amantes y el ramo de flores, una composición que también se repite en sus obras.
 

La figura del violín, o del violinista, también aparece en muchas de sus pinturas. Lo podemos asociar a las tradiciones y al arraigo a su tierra de origen.
 
Texto y Fotografías:Pilar Vidal Clavería 
Palau Martorell
Barcelona
enero 2024
 
 
 

domingo, 20 de junio de 2021

Georgia O'Keeffe en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

En el 2016 la Tate Modern presentó una exposición de Georgia O'Keeffe, llegué a Londres un día antes de que finalizará la exposición temporal y en aquelllos momentos no conocía a O'Keeffe

Recuerdo que quedé impresionada por la belleza de la flor de su cartel, una flor blanca de estramonio, pero no fui a ver la exposición,  unicamente visitamos el fondo permanente de la Tate Modern y sentí que algo me quedaba pendiente.

En mayo de este 2021 estuvé dos días en Madrid, de nuevo se presentaba la oportunidad de ver la obra de O'Keeffe en esta ocasión en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, pero no encontré entradas.

Y a la tercera, como nos recuerda el refrán, va la vencida. Hice la reserva con tiempo y el pasado domingo pude por fin conectar con las obras de O'Keeffe y visitar la primera exposición retrospectiva en España en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Poco a poco fui reconociendo algunas de su obras, esta vez, ya sabía algo más, y me deje sumergir en paisajes, formas, lugares y sin duda en sus flores, inmensas, bellas, majestuosas.

Una guía didactica que se encuentra a la venta al final de la exposición, nos ofrece realizar un camino de la mano, o mejor con los zapatos, de Georgia O'Keeffe (Sun Prairie1887-Santa Fe1986) para acercarnos y descubrir su obra y su trayectoria personal y artística.

La guía ofrece una serie de apartados, que yo he adecuado a las fotografías que realicé durante la exposción.

Mirar lo pequeño 

En ocaciones sus pinturas parecen enfocarse en los detalles, todo y que según ella misma explica no lo hace influenciada por la fotografía, sino porque le gusta fijarse en los detalles.

Detalle de Lírio blanco, 1939

"Pintaré las flores como inmensos edificios. La gente se sorprenderá...tendrán que mirarlas..y lo hicieron."
 
Recolectar 
 
A Georgia O'Keeffe le encantaba caminar y en sus paseos recogía diversos objetos de la Naturaleza, que después podían quedar reflejados en sus cuadros:  hojas, flores, conchas, huesos, trozos de madera...

Detalle de una de sus obras con hojas de otoño

Cabeza de carnero, malva real blanca. Colinas, 1935

Conectar con un lugar

Georgia O'Keeffe conectaba con los lugares donde residía, como pasó en la época en que vivió en Nueva York, pero sin duda fue en Nuevo México donde encontró su mayor conexión.

"Cuando llegué a Nuevo México supe que era mio. En cuanto lo vi supe que era mi tierra. Nunca había visto nada así, pero encajaba conmigo exactamente"

Sin título (Noche en la ciudad), 1926

Paisaje de Nuevo México

Y una de las conexiones más especiales para O'Keeffe, fue con la puerta en el patio de su casa de Abiquiú de la cual hizo diversas versiones.

Patio con nube, 1956

Sumergirse en la forma

O'Keeffe se sumerge en la abstracción de una forma particular, fue definida como una pintora abstracta, pero ella quiso explicar cómo surgían sus pinturas.

"El significado de una palabra para mi no es tan exacto como el significado de un color. Los colores y las formas hablan mucho más que las palabras. Ecribo esto porque se han hecho cosas raras sobre mi con las palabras. Hago este esfuerzo porque nadie más puede saber cómo surgen mis pinturas".

Abstración, Resplandor I, 1921

Carretera en invierno I, 1963

Vidas Vogue: Georgia O'Keeffe, puedes verlo clicando en el enlace
Masdearte.com: Lo que significa una flor para Geogia O'Keeefe, puedes verlo clicando en el enlace
 
Texto y Fotografías:Pilar Vidal Clavería 
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Madrid
junio 2021

  Las informaciones sobre les Flores de Bach que aparecen en los artículos de este blog son únicamente de carácter orientativo e informativo. Cada persona necesita un tratamiento individualizado, que debe ser prescrito por un terapeuta floral acreditado.


sábado, 22 de abril de 2017

Flores en el Museo de Bellas Artes de Lyon

La visita al Museo de Bellas Artes de Lyon, uno de los más importantes franceses y europeos, tiene además de un magnífico recorrido por la historia del Arte, desde la Antiguedad al Arte Moderno, el aliciente especial para mi, de una importante colección de obras de arte relacionadas con las flores.

Fleurs dans une courbeille, Jan Frans van Dael, 1806

Vase de fleurs avec une tubéreuse cassée, Jan Frans van Dael, 1807
Musée des Beaux-Arts de Lyon

Fleur des Champs, Louis Janmot, 1845
Musée des Beaux-Arts de Lyon

Detalle de Fleur des Champs, Louis Janmot, 1845
Musée des Beaux-Arts de Lyon

Fleurs sur un tapis rouge, Pierre Bonnard, 1928
Musée des Beaux-Arts de Lyon

 Fleurs sur une cheminée aux clayes
Édouard Vuillard, vers 1932-1935 
Musée des Beaux-Arts de Lyon

Fotografías: Pilar Vidal Clavería
Terapeuta floral
Counseling integrativo-relacional Duelo y pérdidas
abril 2017
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